Música 13

La forma sonata será la base de toda la música instrumental del periodo clásico, ya que utilizarán esta forma la sinfonía, el concierto, la música de cámara (trío, cuarteto, quinteto) y la sonata para instrumento de tecla (clavecín, piano).

Si bien deriva de la sonata barroca, su forma actual se atribuye a 2 hijos de J.S. Bach, el mayor (C.P.E. Bach) le da forma ternaria (A-B-A) y el menor (J.Ch. Bach) el segundo tema de carácter contrastante.

Esquema de la sonata clásica

Primer movimiento

• Exposición:

– Puede tener introducción.

– Tema a (vivo, bien definido).

– Puente de transición a.

– Tema b (melódico, cantábile, puede haber grupo de dos o tres).

– Buena cadencia c.

• Desarrollo: manejo libre del  material precedente.

• Reexposición: repetición total, parcial o variada de la Exposición con el segundo tema en el tono del primero.

• Grupo de cadencia que prepara el final.

A			B			A
Exposición			Desarrollo			Reexposición
a	b	a	a	b	c	a	b	c
Tónica	Dominante	Dominante	Tonos alejados			Tónica	Tónica	Tónica

Segundo movimiento

• Tipo sonata.

• Tipo lied:

– A = idea principal, con breve idea secundaria en el centro.

– B = transición; nuevas ideas.

– A = repetición parcial o total de A.

• Tema con variaciones.

Tercer movimiento

Minueto

Minué				Trío			Minué
A	A	BA’	BA’	CC	DC’	DC’	A	BA’
Tema		Desarrollo		Tema	Desarrollo		Tema	Desarrollo

Desde Beethoven se sustituye por el Scherzo.

Cuarto movimiento

• Tipo sonata.

• Tipo rondó:

– A = estribillo.

– B = copla 1º.

– A = estribillo.

– C = copla 2º.

– A = estribillo.

– D = copla 3º.

– A = estribillo.

Los rondós beethovianos no suelen seguir este esquema, son más densos, ya que tienen desarrollo.



La ópera del siglo XVIII experimentó también muchos cambios. En Italia, donde había nacido, había perdido mucho de su carácter originario de drama con música (había llegado a ser un conjunto de arias escritas para el lucimiento de las habilidades de los cantantes). Varios compositores europeos reintrodujeron los interludios instrumentales y los acompañamientos como elementos importantes, utilizaros las intervenciones corales y dieron variedad a las formas y estilo de las arias. También trataron de combinar grupos de recitativos, arias, dúos, coros y secciones instrumentales dentro de las mismas escenas. 

El mayor interés del público, tanto aristocrático como burgués, estaba centrado en la ópera, y el centro principal de actividad y de controversias era París. Hay una tendencia hacia temas de la vida cotidiana en contraste con la ópera seria, de corte metatarsiano, con temas históricos y mitológicos de carácter trágico. En esto, resulta algo similar a la ópera buffa napolitana. Sin embargo, se diferencia de ésta en que, continuando la tendencia francesa del siglo anterior, cada vez se le da más importancia a la palabra y al drama, dando así origen a la ópera comique, término que no se refiere a un aspecto cómico, sino a la comedia como término teatral, y en tal sentido reflejando la comedia dell ‘arte del renacimiento italiano.

4. Concierto solista 

El concierto solista, durante el periodo clásico, tiene tres rasgos que lo distinguen de las demás formas de la época:

1. Tres movimientos: La forma de tres movimientos se parece al esquema de la sinfonía sin el minué (rápido-lento-rápido).

2. Doble exposición en el primer movimiento: La primera exposición la toca la orquesta, la segunda el solista acompañado por la orquesta.

3. Una cadenza. La cadenza es un fragmento para exhibir las capacidades técnicas del solista. Generalmente se presenta al final del primer movimiento. La cadenza en el periodo clásico no estaba escrita, y se dejaba que el ejecutante la improvisara en el concierto. Una curiosidad: Beethoven escribió las cadencias desde el 5º Concierto ya que quedó horrorizado al escuchar la cadencia que tocaron en un concierto de Mozart.

3. Cuarteto de cuerdas

El conjunto perfecto para la música de cámara es el cuarteto de cuerdas, compuesto por dos violines, viola y cello. Durante el periodo clásico, fue la agrupación más popular entre los compositores y los ejecutantes, porque con un número mínimo de éstos produce un efecto musical máximo. El cuarteto de cuerdas puede producir una armonía a cuatro voces, correspondientes a soprano, contralto, tenor y bajo. También permite que una melodía sea acompañada por una armonía plena de los otros tres instrumentos. Cada uno de los instrumentos puede funcionar melódica o armónicamente a lo largo de una amplia tesitura. Además, las posibilidades de color que surgen de los diferentes registros de los instrumentos son muy grandes.

2. Sinfonía

La verdadera cuna de la sinfonía puede situarse en Alemania y Austria. Tanto los compositores alemanes como los vieneses experimentaron con la sinfonía de manera interesante. El problema fundamental de la sinfonía se resumía en la búsqueda de material temático que contuviera belleza lírica y personalidad, y de material que proporcionase motivo o rasgos característicos para su desarrollo. El lirismo y el motivo serán complementos perfectos y matriz uno del otro. De ellos obtuvo la sinfonía su contraste básico de temas y textura, y su posibilidad de desarrollo. (Contraste: rítmico y cantábile).

1. Sonata

La sonata clásica dependía de los recursos de armonía y tonalidad y se basaba en la idea de una melodía dominante y una armonía de apoyo. La sonata clásica comenzó a desarrollarse alrededor de 1750. Los precursores fueron los hijos de J.S. Bach (C.P.E. Bach y J.C. Bach). Haydn, Mozart y Beethoven la llevan a su pleno desarrollo, aunque las últimas sonatas de Beethoven abren nuevas perspectivas que inspirarán a los compositores románticos.

Música instrumental

Todo cambio de estilo implica cambios en la forma. Así es como se inventan nuevas formas y se adaptan las antiguas a las nuevas condiciones. El periodo clásico no se una excepción. La sonata sufrió una serie de revisiones drásticas, el concierto incorporó ciertos elementos de la sonata, la ópera seria fue reformada y evoluciona la ópera cómica.

La sonata como esquema de construcción era común en un buen número de medios de expresión musical. El término sonata no siempre figura en el título de todas las obras que son en realidad sonatas. Así, una sonata para cuarteto de cuerdas recibía simplemente el nombre de cuarteto de cuerdas, empleando el nombre del medio de ejecución en vez del nombre de la forma utilizada.

La música en el clasicismo es cortesana, refinada, elegante, objetiva y poco emocional.

Forma: Sonata, Sinfonía, Concierto solista, Cuarteto…

Melodía: Claridad, frases nítidas y regulares que se abren y cierran con ciertos reposos.

Estilo: Homofónico o vertical. Se trata de acompañar una melodía o tema. Poca utilización del contrapunto.

Armonía: Clara y no cromática. Las disonancias se resuelven satisfactoriamente.

Ritmo: Sencillo, regular, con silencios intercalados, como descansos contrastantes entre temas y melodías.

Dinámica: Es tranquila, sin bruscos crescendos o diminuendos.

Instrumentación y orquestación: La música instrumental es más importante que la vocal. Sientan las bases de la orquestación moderna. Como la extensión de los instrumentos es aún reducida, evitan registros extremos. Empieza a desarrollarse el piano.

Aparecen los conciertos públicos.

Gran expansión de la música editada.

Todas las artes, entre ellas la música, estaban concebidas como un adorno para la aristocracia, y por lo general, eran impersonales y objetivas, ya que lo importante era el resultado de la producción, no la personalidad del artista. 

A diferencia de las artes plásticas, en las que se pudieron tomar los modelos de la antigüedad, en la música no fue posible. Por eso el nombre de clasicismo en música se toma no como imitación de los modelos de la antigüedad, sino como sinónimo de proporción, equilibrio y belleza formal.