Música 13

BACH, Johann Sebastian (1685 – 1750) [Continuación]

Música vocal

La mayor parte de estas obras están compuestas en Leipzig, ya que como cantor de Santo Tomás, estaba obligado a proveer de música los servicios litúrgicos. Se han conservado aproximadamente 200 cantatas. Algunas de éstas son obras nuevas y otras están reelaboradas a partir de obras anteriores.

Las dos pasiones que nos han llegado están concebidas en la forma llamada pasión oratorio. La «Pasión según San Matero» escrita para doble coro, solistas, doble orquesta y dos órganos es un drama de grandeza épica y su texto está narrado en recitativos solísticos y coros. El coro, a veces, participa o reflexiona acerca de ellos. En la «Pasión según San Juan» parece que a Bach no le gustan los hechos secundarios, sino los puntos esenciales sobre los que insiste subrayando el estado de meditación.

El coral de la liturgia luterana es el pilar fundamental de las dos pasiones. Su empleo depende de las exigencias expresivas, es decir, de la necesidad de producir momentos de tensión o suspensión del drama. A estos corales armonizados deben añadirse los grandes coros de apertura y finales.

El momento estático de la meditación y acto de constricción está representado por las arias. De la mezcla de estilos y estructuras, de esta falta de uniformidad, nace la unidad de la obra, puesto que es con la pluralidad de los planteamientos con lo que Bach conquista el dominio de la materia sonora.

BACH, Johann Sebastian (1685 – 1750) [Continuación]

Música instrumental

Bach fue educado como violinista y organista, y la música de este instrumento fue la primera que despertó su interés como compositor. Al hallarse en la corte de Weimar, entra en contacto con los compositores italianos, y arregló varios conciertos de Vivaldi para órgano. Utiliza temas de Corelli para sus fugas. La influencia de los compositores italianos se refleja en que sus temas son más concisos y con un mayor impulso rítmico. Estas dos influencias italianas se fundirán con su gran técnica contrapuntística, creando el estilo bachiano.

La mayor parte de la música para clave está escrita en Köthem. «El clave bien temperado» fue escrito para demostrar la posibilidad de emplear todas las tonalidades. La  primera parte de las composiciones instrumentales muestra una gran unidad estilística, mientras que la segunda parte, que fue escrita en Leipzig, presenta una menor coherencia. En la mayor parte de los preludios, se encomienda a cada ejecutante una tarea técnica específica. Las fugas son muy variadas en materia de sujetos, forma y tratamiento, y representan el compendio de todas las posibilidades de la escritura fugada y monotemática.

En las suites se observa la influencia de los modelos franceses, italianos y alemanes. La mayor parte de las danzas están muy estilizadas y representan lo más avanzado de la forma barroca. En las «Variaciones Goldberg» resumió todas las características de la música para teclado. El tema es una Zarabanda, cuyo bajo fundamental y estructura armónica conserva en las treinta variaciones.

La mezcla de estilos italiano y alemán es más perceptible en los seis conciertos de Brandeburgo. En ellos adoptó el habitual orden de tres movimientos del concierto italiano, así como sus ritmos de constante impulso y la forma de ritonello, pero el contrapunto y el colorido instrumental los hacen únicos en el tratamiento de esta forma.

Las dos obras instrumentales tardías de Bach constituyen una clase por sí mismas: «La Ofrenda Musical» y «El Arte de la Fuga». La primera se basa en un tema propuesto por Federico el Grande de Prusia, contiene un ricercare a tres voces, otro a seis, un trío sonata de cuatro movimientos y diez cánones. «El Arte de la Fuga» que no pudo concluir es una demostración de todos los tipos de escritura fugada. Consta de dieciocho cánones y fugas, todos ellos basados en el mismo sujeto o en alguna de sus trasformaciones.

BACH, Johann Sebastian (1685 – 1750)

Provenía de una familia de músicos, por lo que su educación musical la recibió dentro de su ámbito familiar. Su desarrollo musical está influido por la tradición familiar, la asimilación de todos los estilos y su concepción religiosa acerca de la función del arte y los deberes de los artistas. Compuso en todas las formas del barroco, excepto óperas. Escribía según la situación particular en la que se encontraba, por lo que su obra se puede dividir en tres periodos: Weimar, Köthem y Leipzig.

– Weimar (1708 – 1717): el periodo que pasó en Weimar fue la etapa esencial para su perfeccionamiento. Aquí compuso la mayoría de sus composiciones para órgano.

– Köthem (1717 – 1723): se ve obligado a renunciar a las cantatas y música de órgano, ya que era una corte calvinista, por lo que en este periodo compone la mayor parte de su música instrumental y «El clave bien temperado».

– Leipzig (1723 – 1750): es el periodo más largo e interesante, ya que aquí compuso las pasiones, la mayor parte de las cantatas, «El arte de la Fuga» y la «Ofrenda Musical».

Obras principales

– Vocales: Misa en si menor, Oratorio de Navidad, Magnificat, Pasión según San Mateo, Pasión según San Juan y alrededor de 295 cantatas (se conservan unas 200).

– Instrumentales:

– Órgano: corales, sonatas, conciertos, preludios, tocatas, fantasías, fugas, «El arte de la Fuga», «Ofrenda musical»…

– Clavecín: «El clave bien temperado», 6 suites francesas, 6 suites inglesas, 6 suites alemanas (partitas), Variaciones Goldberg, invenciones, fantasías…

– Conjunto instrumental: 6 conciertos de Brandeburgo, suites para orquesta, conciertos para violín, conciertos para clavecín…

HÄNDEL, Georg Friedrich (1685 – 1759) [Continuación]

Música religiosa

– Oratorios

Los oratorios de Händel no deben considerarse como música eclesiástica, ya que los destinó a la sala de concierto y no pensó en su uso litúrgico. Como texto utilizó el Antiguo Testamento. Algunos oratorios importantes son: «Saúl», «Israel en Egipto»,, «Judas Macabeo» y «El Mesías».

El estilo coral de Händel resultaba muy apropiado para los oratorios en los que el acento está puesto sobre la expresión comunitaria antes que sobre la individual. Händel utiliza coros donde se hubiese utilizado un aria en el oratorio italiano. La naturaleza colectiva del grupo coral da a estos pasajes un carácter impersonal, lo que da a la obra una grandeza no habitual en los oratorios anteriores.

– Estilo

Händel se distingue de muchos de sus contemporáneos por el carácter melódico de sus composiciones (influencia italiana), a lo que se une el sentido dramático y técnica alemana, y a lo que hay que añadir el sereno lirismo inglés.

La armonía es diatónica y claramente tonal y no suele pasar de tres o cuatro alteraciones en la armadura. Utiliza con frecuencia la escritura homofónica (vertical). Su armonía es sencilla, utiliza retardos y le gusta acentuar la cadencia perfecta.

Es el primer compositor en introducir las trompas y el contrafagot en la orquesta de ópera.

El estilo coral de Händel es menos contrapuntístico que el de Bach, ya que alterna pasajes fugados con bloques armónicos. Cuando pretende obtener la máxima plenitud coral, une las voces de la siguiente manera: bajos y tenores por una parte y sopranos y contraltos por otra. Este agrupamiento lo realiza con frecuencia en la cadencias conclusivas. Suele culminar los Allegros corales sobre un acorde inconcluso, luego hay varios acordes y para concluir los acordes cadenciales en Adagio.

HÄNDEL, Georg Friedrich (1685 – 1759)

Recibió una sólida educación musical, fue un virtuoso del órgano y clavecín y estudió violín, oboe y contrapunto. Estuvo en Italia, donde conoció a Corelli y los dos Scarlatti, buscando ganar prestigio como compositor de óperas. Su estancia en Italia ejercerá gran influencia en su música, y es el único compositor alemán que recibió influencia italiana directa.

Música profana:

– Ópera

Las óperas de Händel son más rígidas que las de los compositores italianos, ya que tiende más al contrapunto y a la fuga, y todos los títulos nos remiten a la tradición clásica. Los libretos son rígidos (de contenido reflexivo), con lo que su música se resiente. Las arias tienen abundante floritura melódica. Los títulos más representativos son «Rinaldo» y «Xerxes».

– Música instrumental

Las composiciones instrumentales se dirigen a evidenciar valores instrumentales, bien sean tímbricos o rítmicos. Tiene tendencia al ritmo saltarín, los silencios expresivos y la reiteración temática sobre células muy breves. No escribió mucha música instrumental y se ha conservado muy poca, pues improvisaba tanto al órgano como al clave (era un genio tocando tanto el órgano como el clavecín, y sólo se conservan las obras que escribió tras insistirle para que lo hiciera). La obra para teclado incluye varios conciertos para órgano, conciertos para clave y suites.

La «Música Acuática» está formada por tres suites instrumentales, dos de ellas a base de metales y la otra a base de maderas.

La «Música para los reales fuegos de artificio» se trata también de una suite, pero precedida de una overtura a la francesa.

Fue el primer compositor que utilizó el órgano como instrumento solista en los conciertos grossos. Al haber sido improvisados, no es posible conocer su número exacto, pero se calcula que alrededor de dieciséis.

En este periodo, Alemania consigue la supremacía musical, que perdurará durante varios siglos con compositores como Telemann, Haendel y Bach, y luego con Haydn, Mozart, Beethoven y una cadena de genios que llega hasta nuestros días.

TELEMANN, Georg Philipp (1681 – 1767)

Nació en Magdeburgo, Alemania, y murió en Hamburgo a los 86 años de edad. Fue el compositor alemán más famoso de su generación, incluyendo a Bach y a Haendel. A los 12 años escribió su primera ópera. En 1700 ingresó en la universidad de Leipzig para estudiar idiomas, ciencia y derecho. En esa misma época escribió muchas óperas para el teatro de Leipzig y se le comisionó el difícil trabajo de escribir composiciones originales para la Iglesia de Santo Tomás, a razón de una cada dos semanas. En 1704 ocupó el cargo de organista de la Iglesia Nueva en Leipzig y maestro de la Capilla del Príncipe Promnitz, en Francfort. Fue gran amigo de Johann Sebastian Bach, cuya influencia se deja sentir en sus obras. Desde 1721 y hasta su muerte se desempeñó en Hamburgo como director municipal de música. En 1722 rechaza el cargo de chantré en la Iglesia de Santo Tomás de Leipzig y en su lugar fue elegido su amigo Bach. Hamburgo le debe a Telemann un extraordinario florecimiento de su vida musical. Allí fundó un coro, organizó conciertos estables, hizo construir una sala y editó la primera revista musical alemana, llamada «El Fiel Maestro de Música». Sus obras ascienden a una cantidad increíble: 40 óperas, 600 composiciones orquestales (oberturas, suites, conciertos, serenatas…), 44 pasiones, 33 oratorios, cantatas y motetes para 12 años completos (uno por cada domingo o festivo), 700 arias y música de cámara en cantidad para toda clase de instrumentos. Telemann dominaba con gran facilidad el contrapunto, pero no aportó ninguna composición original a la teoría de la música. Después de su muerte, su fama declinó con una rapidez sorprendente: fue considerado un polígrafo de formidable técnica, pero carente de verdadera grandeza y profundidad. Sin embargo, en el segundo tercio del siglo XX, comenzó un movimiento de renacimiento a favor de su obra, pero mucho menos fuerte que el que se realizó a favor de Haendel, con el cual se pudo dar a conocer una gran parte de su obra a un gran sector de público.

PURCELL, Henry (1659 – 1695)

Henry Purcell fue el compositor nacido en Inglaterra más importante durante siglos. Su ópera «Dido y Eneas» es el aporte más notable de Inglaterra a la ópera temprana. También compuso música incidental para obras de teatro, como «El rey Arturo», y mucha música instrumental: sonatas, fantasías, música para órgano y para piano, corales… A su muerte fue enterrado en la Catedral de Westminster, siendo el primer músico en recibir tal honor. Después de él se extinguió por muchos años la creación musical inglesa.

COUPERIN, François (1668 – 1733)

Miembro de una familia de notables músicos, llegó a poseer una fama mayor que ellos, y por eso se le conoció con el apodo de «El Grande». Es el representante más distinguido del rococó francés, o sea, del estilo galante, sobre todo en el clavecín. Al mismo tiempo se insinúa en su obra una idea de descripción musical o de programa. Bach, que aprendió en otros terrenos de los italianos (Corelli, Vivaldi), tomó a Couperin por modelo en la composición de danzas francesas. Sus cuatro tomos «Piezas de Clavecín» merecen hoy en día su estudio y son acabados retratos de una época de sumo refinamiento social y con un contenido sumamente expresivo.

RAMEAU, Jean-Philippe (1683 – 1764)

Es considerado el padre de la armonía moderna, ya que recopiló y elaboró reglas para el dualismo tonal en modos mayores y menores, estableció muchas de las reglas fundamentales que sirven de base para la armonización, como la de las octavas y quintas paralelas u ocultas, que sólo quedan sin sentido en la música atonal planteada por Schoenberg en el siglo XX. Además de sus libres «Tratado de Armonía y sus Principios Naturales», Rameau compuso numerosas piezas líricas y ballets: «Hippolyte et Arice», «Las Indias Galantes», «Cástor y Pólux», «Dardanus», «Zais» y otras.

Es el iniciador del concierto veneciano que culminará en Vivaldi. Utilizó instrumentos solistas como el violín y el oboe, empleando en éste una técnica brillante y elaborada. Los episodios solistas son muy extensos, elaborados y con una amplia línea melódica. Contribuyó a la fijación de los tres movimientos.

VIVALDI, Antonio (1678 – 1741)

Aunque compuso cantatas, oratorios y óperas, se le conoce por su música instrumental. Las dos terceras partes de los conciertos de Vivaldi están escritos para instrumento solista. Utilizó el violín, violoncello, flauta y fagot en la mayor parte de los conciertos como solistas. Trató al instrumento solista de forma virtuosística.

La mayor parte de sus conciertos tiene el esquema tripartito habitual del siglo XVIII: Allegro, Movimiento lento (en la misma tonalidad, dominante, subdominante o relativo menor) y Allegro final.

En el primer y tercer movimiento utiliza el esquema «tutti» y «solo». Los tuttis muestran la atmósfera dominante de la pieza. Los solos están más trabajados, son más brillantes y con ellos establece una cierta tensión dramática.

El movimiento central suele ser más breve y concede mayor espacio al solista. Es el primer compositor que da a este movimiento la misma importancia que a los rápidos.

La música de Vivaldi perdura por la frescura de sus melodías y su ritmo vigoroso.

TARTINI, Giuseppe (1692 – 1770)

Representa la transición entre el barroco y el clasicismo. Fue un eminente teórico de la armonía. Lo que más destacada de su música es la musicalidad de la melodía. Su obra más popular es la «Sonata del Trino del Diablo», obra de gran virtuosismo técnico.

CORELLI, Arcangelo (1653 – 1713)

Es el compositor que dictó las normas que habría de seguir la música instrumental italiana hasta la mitad del siglo XVIII, y además condicionará a la generación siguiente de tal manera que pocas veces se puede encontrar un caso similar de influencia en la historia musical.

Aunque estudió en Italia, tuvo frecuentes contactos con músicos alemanes y franceses. La música vocal está ausente de su obra y su música instrumental es muy reducida (en total setenta y dos obras, pero muy cuidadas). Además de sonatas y música de cámara, lo más importante es la serie de conciertos grossos.

Corelli ha sido considerado durante mucho tiempo el inventor del concierto grosso, ya que sus obras más antiguas no siguen ningún modelo de anteriores conciertos. Normalmente están formados por tres músicos solistas (dos violines y un violoncello) que eran acompañados por el tutti y el clave. Trató a los dos violines de igual manera, por lo que las líneas melódicas se entrecruzan continuamente.

Es el primer compositor que escribe música en la que se oyen con toda claridad las tonalidades Mayor y menor. Las modulaciones de Corelli hacia la dominante o tono relativo son lógicas y claras. Estableció los principios de la arquitectura tonal, su música es diatónica y su cromatismo se limita a unas pocas séptimas disminuidas.

TORELLI, Giuseppe (1658 – 1709)

Lo más evolucionado de su obra son sus últimos conciertos que marcan el inicio del concierto solista. La mayor parte de éstos son a tres movimiento (rápido-lento-rápido) que será la disposición que seguirán los compositores posteriores.